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★ DIMARTS 9, 16, 23 Febrer i 1 Març ★
★ MARTES 9, 16, 23 Febrero y 1 Marzo ★
★ TUESDAYS 9th, 16th, 23rd February & 1st March ★


ERRATEKE
& PLATAFORMA L'ESPECÍFICA



"Erbeste (boja per complaure)"


Estrena a Catalunya

durada / duración / running time:
70’ + sobremesa con público / discussion with audience

Noves dramatúrgies
Nuevas dramaturgias
New Drama


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
DIMARTS / MARTES / TUESDAYS
9, 16, 23 & 1 Març / Marzo / March: 21'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Idea original, textes i dramaturgia: Rakel Ezpeleta
Creat amb la col.laboració de les directores: Simona Quartucci, Iñaki Rikarte i Neus Suñé
Ajudant de dramatugia i direcció: Esther Belvis
Erbeste: Rakel Ezpeleta
Bestea: Hèctor Boada
Composició musical original: Daniel Higiénico i Rakel Ezpeleta
(Altres fragments musicals de: SuTaGar, Mocedades, Telekantak…)
Coreografía L’espera: Elisenda Moya
Coach d’actors: Blanca Martínez
Disseny d’il.luminació: Hèctor Boada
Atrezzo: Teresa del Junco
Disseny gràfic: Marta Extramiana
Fotografías: Sandra Soussa, Beatriz Marahver, Carlos Torrico i Josep Tobella
Videos: Vero Díaz, Nacho Neil i Platanobolígrafo

Mùsics col.laboradors amb enregistraments:
Daniel Higiénico (guitarra, orquestació digital, veu i mescles), David Sam (piano), Manel Romero (batería, arranjaments i mescles), Alex Blanco (baix i arranjaments), Sergio Carmona (guitarres elèctriques i arranjaments), Rakel Ezpeleta (veus)

Correcció i/o adaptació lingüistica: Imanol García (euskera), Haizea Urrutia (euskera), Mikel García (Euskera), Colin Morgan (anglès), Nuria Casas (català), Jaume Rigol (català), Anne Laure Feuillastre (francès)

Coordinació de producció: Rakel Ezpeleta
Co-producció: Cía Errateke – Plataforma l’Específica – BAD
Amb la col.laboració de: Laboratori Tisner i Sala Baratza

www.facebook.com/errateke

ESTHER BELVIS PONS sobre ERBESTE de Rakel Espeleta:
/////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Para Rakel.

– ¿Cómo te va?
– Bien―respondo.

Entonces empiezo a pensar en cosas pequeñas como el hueco que queda libre al fondo del armario, el retazo de vida que hay detrás de la mirilla de la puerta o las figuras que se forman con el vaho de la ducha. Pienso en esas cosas pequeñas a las que no prestamos atención, esas cosas que solamente se hacen evidentes si uno se para a mirar todo aquello que no tiene aparente interés. Y concentrándome en lo pequeño puedo evitar, al responder “bien”, que mi mirada se pose en lo grande. [+]

Rakel Ezpeleta ha creado esta pieza mostrando sus cosas pequeñas para hablarnos de las grandes. Y lo hace desde esa mirada suya que lo sostiene todo. Porque esta pieza nos enseña a sostener el cuerpo cuando ya parece que hemos perdido todo control sobre el mismo. Un cuerpo descontrolado que a través de sus aspavientos intenta complacer al otro. Un cuerpo dispuesto que se atreve a todo. Un cuerpo que tropieza con el mundo y decide dedicarle una última canción, un último baile, una última cena. Así, un poco entre el amor y el despecho que siente el que irremediablemente se abandona en los brazos de la vida, esperando que el día de mañana sea mejor que el anterior.

Esta pieza hecha de retazos de vida planea sobre todos nosotros; incluso diría que está cocinada con nuestros propios recuerdos. Todos somos un poco Erbeste, este personaje que se apasiona y se pelea tanto con el presente para no hacer balance, para no contarse a sí misma lo que ya no fue, lo que ya seguramente no será. Este personaje que no pertenece a ningún lugar, pero que se cuela en la casa que son nuestros cuerpos; allí donde guardamos las historias, los secretos, las voces. Se cuela para recordarnos, con una sonrisa, que en las casas de todos pasan cosan extrañas. Para decirnos: – Sí, yo también tengo un mundo de cosas pequeñas, que me salva de esa precariedad que me hace sentir todo lo grande.

Porque en un mundo en la que la mayoría respiramos con los pulmones corrompidos, Rakel nos propone esta pieza llena de oxígeno para seguir intentándolo mañana, sea lo que sea lo que cada uno tiene que intentar.

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Docu-ficció satírica en forma de monòleg...sol...recital...una mena de cabaret solitari en el una intèrpret transita ocupacions, ubicacions, idiomes, registres i textures en el seu empeny de trobar un lloc propi. Erbeste mostra la realitat d’una dona migrant que es sent sempre fora de lloc; la rel.lació d’un mateix amb la seva memòria, amb les expectatives alienes i el desitg de pertinença. Erbeste vol arribar a mostrarse com els demes poden demanar que sigui.Tan acostumada es a adaptarse i intentar encaixar ...que per el nord. Algú li va dir que això era part de la vida de comediant, però també li va dir que per triomfar cal ser genuí...¿ A les hores...?

Erbeste es crea a Barcelona i Gasteiz; de la má d’una intèrpret i tres directores (una basc, una catalana i una italiana), un cantautor i una assesora d’asaig i accions per gaudir; en mig de téssis acadèmiques i precarietat laboral.
La dramatúrgia de Erbeste vehicula un treball d’investigació sobre el sentit de pertinença en contextes socioculturals canviants. Durant el procés una intèrpret ha treballat per separat amb tres directores de diferents trajectòries i procedències per desplegar tres mirades al respecte d’una identitat, diferents projeccions del que un mateix es davant de l’altre, tres mètodes de creació al voltant d’un mateix eix temàtic i biogràfic. A sobre d’aquest material escènic s’hi ha compossat la dramatúrgia final.

Docu-ficción satírica en forma de monólogo… solo… recital… una suerte de cabaret solitario en el que una intérprete transita ocupaciones, ubicaciones, idiomas, registros y texturas en su afán por encontrar un lugar propio. Erbeste muestra la realidad de una mujer migrante que se siente desubicada; la relación de uno con su propia memoria, con las expectativas ajenas y con el deseo de pertenencia.
Erbeste quiere llegar a mostrarse como los demás puedan pedirle que sea. Tan acostumbrada está a adaptarse e intentar encajar que se desorienta. Alguien le dijo que esto formaba parte de la vida de comediante, pero también le dijo que para triunfar hay que ser genuino… ¿Entonces…?

Erbeste se crea entre Barcelona y Gasteiz; entre una intérprete y tres directoras (un vasco, una catalana y una italiana), un cantautor y una asesora; entre textos de ensayo y acciones para disfrutar; entre tesis académicas y precariedad laboral.
La dramaturgia de Erbeste vehicula un trabajo de investigación sobre el sentido de pertenencia en contextos socioculturales cambiantes. En el proceso una intérprete ha trabajado separadamente con tres directoras de distintas trayectorias y procedencias para desplegar tres miradas sobre una identidad, distintas proyecciones de lo que es “uno” ante “el otro”, tres métodos de creación en torno a un mismo eje temático y biográfico. Sobre ese material escénico se ha compuesto la dramaturgia final.

Satirical docufiction presented as a monologue… solo... recital…. a kind of solitary cabaret in which a performer goes through occupations, locations, languages, registers and textures in her eagerness to find a place of her own. Erbeste shows the reality of a migrant woman who feels out of place; the relationship we have to our own memories, to other people’s expectations and to the desire to belong. Erbeste wants to show herself as others may want her to appear. She is so used to adapting and trying to fit in that she becomes disoriented. Someone told her this was part of life as a player, but they also told her that to succeed she must be genuine… So then what?

Erbeste was devised between Barcelona and Gasteiz, between a performer and three directors (one Basque, one Catalan and one Italian), a singer-songwriter and a consultant; between rehearsal texts and enjoyable actions; between academic theses and job insecurity.
The dramaturgy of Erbeste is the vehicle for a study on the feeling of belonging in changing socio-cultural contexts. During the process a performer has worked separately alongside three directors with different professional backgrounds and careers to develop three perspectives on an identity; different projections of what it means to be ‘one’ as opposed to ‘the other’; three creation methods revolving around the same biographical and thematic axis. This performative material has been the basis for the final dramaturgy.


★ 11-14 Febrer 11-14 Febrero 11-14 February ★


TWINS EXPERIMENT


¿Cómo se hace una performance?


ESTRENA

durada / duración / running time: 50 min

nous llenguatges del cos
nuevos lenguajes del cuerpo
new body languages

HORARIS HORARIOS SCHEDULES
11 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
12 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
13 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
14 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE


















Creadores e intèrprets: Ainhoa Hernandez i Laura Ramirez
Advisor: Cris Blanco
Col.laboradors: PLAYdramaturgia
RecolÇaments: Vértico/Espai en blanc/ La caldera Les Corts
Agraiments: https://vimeo.com/148324913

comosehaceunaperformance.wordpress.com

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Es la pregunta des la que parteixen Ainhoa i Laura.
Es una pràctica comú.
Es una recerca.
Es un viatge de transformació.
Es un aprenentatge.
Es un dispositiu.
Es un joc.
Es l’escalfament per el que pugui venir.

¿COM ES FA UNA PERFORMANCE? está composada com un collage de materials que editem a temps real. Apareix la multitarea, la sobre–estimulació, el consum de la cultura de masses, i a la vegada, la nostra necessitat del retrovarnos, de estar juntes, de crear vincles i de prendre riscos que ens transformen. Es un joc per a dues jugadores, Las Twins.Son jugadores.elles surten al tauler per experimentar amb tots aquests materials. //La pràctica es la recerca, la recerca es la peça//

Either of two persons or things closely resembling each other.
Being one of a pair, identical; twin towers.
Made of two similar parts connected.

Ainhoa i Laura
Son de Madrid. Bessones. Foren separades al néixer i es van retrobar al 2014. Juntes son Twins experiment. Juntes fan playlist, llistes, esquemes, collages.
Fan la seva primera peça juntes, ballen, dormen, creen jocs i de vegades comparteixen un pis.
Twins son dues i son col.lectiu, treballen des la afectivitat, la telepatia i la horitzontalitat. Esser Twins els hi permet prendre riscos que no prendrien soles, juntes es converteixen en superherois.

Es la pregunta desde la que parten Ainhoa y Laura
Es una práctica común
Es una búsqueda
Es un viaje de transformación
Es un aprendizaje
Es un dispositivo
Es un juego
Es el calentamiento para lo que vendrá

¿CÓMO SE HACE UNA PERFORMANCE? es compuesta como un collage de materiales que editamos a tiempo real. Aparece la multitarea, la sobre-estimulación, el consumo de la cultura de masas, y a la vez, nuestra necesidad del encuentro, de estar juntas, de crear vínculos y de tomar riesgos que nos transformen.
Es un juego para dos jugadoras, Las Twins. Ellas son las jugadoras. Ellas salen al tablero para experimentar con todos estos materiales. // La práctica es la búsqueda, la búsqueda es la pieza //

Either of two persons or things closely resembling each other.
Being one of a pair, identical; twin towers.
Made of two similar parts connected.

Ainhoa y Laura
Madrileñas. Gemelas. Fueron separadas al nacer y se reencontraron en 2014. Juntas son Twins Experiment. Juntas hacen playlists, listas, esquemas, collages.
Hacen su primera pieza juntas, bailan, duermen, idean juegos y, a veces, comparten piso.
Twins son dos y son colectivo. Trabajan desde la afectividad, la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins les permite tomar riesgos que no tomarían solas, juntas se convierten en superhéroes.

It’s the question that’s Ainhoa and Laura’s starting point
It’s common practice
It’s a search
It’s a voyage of transformation
It’s a learning process
It’s a device
It’s a game
It’s the warm-up for what’s to come

How is a performance done? is constructed as a collage of different materials that are edited in real time. We get multi-tasking, overstimulation, the consumption of mass culture, and at the same time, our need to meet up, to be together, to create links and take risks that will transform us.
It’s a game for two players, the Twins. They are the players. They come onto the board to experiment with all these materials.
// practice is the search; the search is the show //

Either of two persons or things closely resembling each other.
Being one of a pair, identical; twin towers.
Made of two similar parts connected

Ainhoa and Laura
From Madrid. Twins. Separated at birth and reunited in 2014.
Together they make playlists, lists, charts, collages.
They create their first piece together, they dance, they sleep, they come up with games and, sometimes, they share a flat.
Twins are two and a collective. They work from affection, telepathy and horizontality.
Being Twins allows them to take risks they wouldn’t take alone; together they become superheroes.


★ 18-21 Febrer 18-21 Febrero 18th - 21st February ★


DULCE DUCA


"Um belo dia"


durada / duración / running time: 60 min

Circ amb manipulació d'objectes i música en viu
Circo con manipulación de objetos y música en vivo
Circus with object manipulation and live music


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
18 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21:00
19 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21:00
20 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21:00
21 DIUMENGE / DOMINGO /SUNDAY: 20:00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE










Una creació de Dulce Duca e Iris

Intèrprets: Dulce Duca / Jaime del Blanco
Acompanyament artistic: Iris Ziordia
Creació Musical: Raúl Márquez / Jaime del Blanco
Creació de Llum: Iván Tomasevic Vucasovic
Creació Gràfica: Laurent Foutaise
Fotos: Marta Xelo
Realizació Video: Julian Waisbord

DULCE DUCA sobre DULCE DUCA:
////////////////////////////////////////////////////////////

Inesperados encuentros en momentos insertos, han llevado la lluvia por caminos desiertos… Han surgido nuevas semillas en estos campos arduos, sin que sean duros. La buena porción de locura proporciono los necesarios momentos de lucidez para escuchar lo que estaría para venir. [+]

Encontré el malabar por mera casualidad y me he quedado por amor. Autodidacta, he echo parte de la Formación Alternativa y Auto-gestionada de Circo, FAAAC. http://www.faaac.com/ (Francia). Una formación completamente auto-gestionada por sus participantes en el departamento de L’Indre (36) en Francia, donde íbamos de aldea en aldea, con camiones y caravanas a las salas comunitarias, haciendo nuestra formación.
Con este grupo, FAAAC, hemos podido realizar los proyectos mas Utópicos que alguna vez hemos podido imaginar. Como el WORK IN PROGRESS ARTS MEETING 2009.

WORK IN PROGRESS ARTS MEETING fue un proyecto experimental que tenia como objetivo saber si un grupo de artistas, de todas las áreas, podían influir y cambiar algo en la vida, día-a-día de los habitantes locales.
Os puedo decir que si. Srebna-Gora (Polonia) una región súper conservadora, donde un negro entraba y cinco blancos salían, donde la iglesia media los actos visibles de las personas y la vodka los invisibles, … hemos dejado una marca. Lo mas concreto que os puedo contar es que todavía existe una iglesia que sigue siendo un local de práctica de circo, donde dan clases regulares y siguen recibiendo artistas de todo el mundo en sus salas para construir sus espectáculos.

Os cuento esto porque fue en la FAAAC que empece a ir más fondo en mi objetivo,… que si actúo es porque tengo algo que decir y quiero que pase algo dentro de quien esta mirando. Sea reír o llorar, quedar-se atrapado a la silla o levantar-se para ir-se. Fue cuando encontré a Iris, mi maestro, un malabarista/actor impresionante de los 90’s.
Con el he recorrido hasta hoy 10 años de experiencias y exploraciones en mi manera de hacer malabares, mi manera de ver el circo, la escena y la vida.

Con el empece a construir la primera versión de UM BELO DIA 30min. (2010).
Hemos decidido que la idea era trabajar emocionalmente y ser libres para construir la historia a partir de ahí.
En un principio las emociones eran demasiado fuertes, con la alegría no había problemas, pero con la rabia o tristeza la gente no quería verlo, (actuando en la calle), algunas personas simplemente se iban… era curioso, nos pasaba en todos los países , ni en con todas las edades, pero esa es otra historia.

Así que pensé “Tengo que ser buena en esto, debo de estar haciendo un buen trabajo ” , la gente realmente siente lo que estoy transmitiendo y todo esto con los malabares.
La gente estaba sufriendo de verdad con lo que yo estaba representando, actuando. La gente me decía que se olvidaban de que estaban viendo un espectáculo. … ¿os imagináis eso ?! Es muy loco, verdad?!

Por lo tanto, después de estas experiencias, ahora la pregunta era,… cómo llevarlos por esta TwilightZone y pasar por la catarsis conmigo hasta tener un final feliz.

Y fue ahí donde empezó esta última y nueva etapa de UM BELO DIA. – 60min./sala.

UM BELO DIA es sobre dejar suelta mi imaginación, perderme en ella, no saber lo que es realidad o ficción, volver a mi y nuevamente dejar-me llevar… y así sucesivamente… Es una metaficción.
La mayoría de las veces son cosas absurdas y surrealistas en un ambiente muy metafórico y onírico.

Para mi los malabares son un medio y no un fin en lo que quiero transmitir.

Sabes cuando haces amor, … y estás ahí,… abriendo te al otro, tocando, sintiendo, conectando… y el tiempo para…y…. mismo que en algunos momentos parece que no estamos en el mismo ritmo y es extraño, … mismo así sabéis que os queréis. Eso es lo que yo siento cuando actúo con UM BELO DIA.

No se si me considero una malabarista…

Si que considero que estamos en una época de oro en relación al desarrollo de los malabares y pura manipulación de objectos. Hay una corriente de aire creativo que está inspirando a mucha gente y se están desarrollando nuevas técnicas con los más diversos objectos. Es algo fascinante y inspirador. En estos últimos 40 años se asistió a grandes cambios en el mundo del circo. Surgieron de la indignación del uso de animales y la apertura de los circenses a integrar otras dramaturgias y mezclando otras técnicas artísticas.

Creo que estamos en el camino pero creo que algo falta en relación a mostrar la persona que está en el escenario. Es algo sutil. Creo que los artistas circenses, en general, se siguen escondiendo detrás de su técnica, de tras de una historia que no la viven de verdad o que es demasiado fácil vivir-la.

O no hay la necesidad o hay demasiado miedo a la hora de subir a un escenario y mostrar-se realmente quien somo y afirmar lo que venimos decir, mejor o peor. Hablo de los actores/personas, quien somos, cuan libres somos encima del escenario ? Que haces si no tienes tu técnica? Veo que vamos incorporando técnicas de teatro- físico pero cuando llega al justo momento de coger los objectos algo cambia. Que cambia?…

Hay gente que lo hace, mis referentes… Iris, Johan Swartvagher, Anicet Leone.

Después de cada actuación estaré por el Bar del Antic Teatre. Encantada de encontraros!

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Um Belo Dia es un projecte de vida cosntruit per Dulce Duca e Iris Ziordia. Vida en forma d’espectacle. Dulce Duca incorpora el malabar, la manipulació i els equilibris de masses dins d’un llenguatje corporal unic e impactant, tansmeten emocions a una peça que integra e intriga al públic de totes les edats. Um Belo Dia es poesia surrealista viscuda per una noia als trenta anys. Ella construeix un mon des la seva visió personal, dona vida al que no la te, interactua amb la seva imaginació i ens endinsa en un mon fantàstic on tot es possible. Un Belo Dia neix de dintre seu i conecta amb l’espectador de forma primordial, pura i simple.
El que veig, el que sento, el que escolto...
...”i si un a un arc l’hi pengém una flor... transformaríem les notes musicals en pètals...”

Dulce Duca (Portugal 1984)
S’inicia al mon del malabar de manera autodidacta. Dos anys a FAAAC formació alternativa y autogestionada de les Arts del Circ. Funda , junt a quatre companys de promoció, la companyia Branle-Bas i crea el seu primer espectacle, Many. Participa i organitza el projecte Arts Meeting, una reunió de setanta artistes d’arreu del mon que es va celebrar a Srebrna Gora, Polonia. I desemvolupa OctNov 2010, una invasió artística en territori Portugues.

JAIME DEL BLANCO (Montornés del Vallés 1978)
Inicia els seus estudia musicals als cinc anys. Jaime del Blanco es un music format en tradició clàssica però fascinat per el Jazz, l’improvitsació i les musiques del mon tracta de construir ponts i trencar clichés.

IRIS ZIORDIA (Navarra 1963)
Ha desemvolupat un llenguatje escènic personal, obrint horitzons al mon dels malabars. La seva constant recerca de la relació entre el mon del cos, la ment, les emocions i els objectes mostraren al públic un veritable esser humà sobre l’escenari. L’inesperat un carisma excepcional e inolvidable.

Um Belo Dia es un proyecto de vida construido por Dulce Duca e Iris Ziordia. Vida en forma de espectáculo. Dulce Duca incorpora el malabar, la manipulación y los equilibrios de mazas en un lenguaje corporal único e impactante, transmitiendo emociones en una pieza que integra e intriga al público de todas las edades. Um Belo Dia es poesía surrealista vivida por una chica a sus treinta años. Ella construye un mundo desde su visión personal, da vida a lo que no tiene vida, interactúa con su imaginación y nos sumerge en un mundo fantástico donde todo es posible. Um Belo Dia nace de las entrañas y conecta con el espectador de manera primordial, pura y simple.
Lo que siento, lo que veo , lo que escucho...
“...Y si a un arco le colgamos una flor...transformaríamos las notas de música en pétalos"

DULCE DUCA (Portugal, 1984)
Se inicia en el mundo del malabar de forma autodidacta. Dos años en FAAAC formación Alternativa y Autogestionada de las Artes del Circo. Funda, junto a cuatro compañeros de promoción, la compañía Branle-Bas y crea su primer espectáculo, Many. Participa y organiza el proyecto Work in Progress Arts Meeting, una reunión de setenta artistas de todo el mundo que se celebró en Srebrna Gora, Polonia. Y desarrolla OctNov 2010, una invasión artística en territorio portugués.

JAIME DEL BLANCO (Montornès del Vallès 1978)
Inicia sus estudios musicales a la edad de cinco años. Jaime Del Blanco es un músico formado en la tradición clásica pero fascinado por el jazz, la improvisación y las músicas del mundo, trata de tender puentes y disolver clichés.

IRIS ZIORDIA (Pamplona, Navarra, 1963)
Ha desarrollado un lenguaje escénico personal, abriendo el horizonte del mundo de los malabares. Su búsqueda constante de la relación entre el cuerpo, la mente, las emociones y los objetos, mostraron al público un verdadero ser humano en escena. Lo inesperado. Un carisma excepcional e inolvidable.

Um Belo Dia is a life project devised by Dulce Duca and Iris Ziordia. Life as spectacle. Dulce Duca juggles, manipulates and balances clubs using unique and appealing body language, transmitting emotions in a piece that attracts and intrigues audiences of all ages. Um Belo Dia is surreal poetry lived by a girl in her thirtieth year. She creates a world from her personal viewpoint, gives life to what has none, interacts with her imagination and immerses us in a world of fantasy where anything is possible. Um Belo Dia emerges from the gut and connects with the spectator in a primeval fashion, pure and simple.
What I feel, what I see, what I hear…
“…What if we hung a flower from a bow?
…we’d turn musical notes into petals”.

Dulce Duca taught herself to juggle, then spent two years training at the FAAAC (Alternative and self-managed training in circus skills). Together with four course companions she founded the Branle-Bas company and created her first piece, Many. She took part in and helped organise the Work in Progress Arts Meeting, a gathering of seventy artists from around the world that took place in Srebrna Gora, Poland. And she developed OctNov 2010, an artistic invasion of Portugal.

Jaime del Blanco (Montornès del Vallès, 1978)
Began studying music aged five. Although classically trained, he has always been fascinated by jazz, improvisation and world musics, and aims to build bridges and do away with clichés.

Iris Ziordia (Pamplona, Navarre, 1963)
has developed her own personal performance language, reaching new horizons in juggling. Her constant search for the connections between body, mind, feelings and objects show the audience a true human being on stage; the unexpected. Exceptionally and unforgettably charismatic.


★ 22 Febrer  22 Febrero 22 February ★


FLUXCLUB



Projecció + col·loqui
Proyección + coloquio
Screening & discussion



HORARIS
DILLUNS: 21:00
gratuit

HORARIOS
LUNES: 21:00
gratuito

SCHEDULES
MONDAY: 21:00
free

HORAIRES
LUNDI: 21:00
gratuit






Organitzat per HABITUAL VIDEO TEAM

www.influxfestival.org

www.habitualvideoteam.org

 

 

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Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival. FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents. FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org, i el festival INFLUX [vídeo a escena] dedicat a les arts escèniques audiovisuals: www.influxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org, y el festival INFLUX [vídeo a escena], dedicado a las artes escénicas audiovisuales: www.influxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org, and INFLUX festival [video on stage], dedicated to audiovisual performing arts: www.influxfestival.org. Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.


★ 24 Febrer 24 Febrero 24th February ★


EDUARDO GIÓN /
ANTIC TEATRE



"El desplume"

durada / duración / duration: 90 min

Cabaret


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
24 DIMECRES / MIERCOLES / WEDNESDAY: 21:00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros










Mestro de ceremònies: Victor Guerrero
Mite: Gilda Love

Artistes per confirmar

Organitza: Eduardo Gión

hmarionanaudin.blogspot.com.es

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Antic Teatre es vestirà amb lluentons. Un cop al mes, l'Antic Teatre Cabaret proposarà un recorregut per l’autentic cabaret dels 70, pels seus locals, els seus artistes i el seu ambient canalla. Més que una obra de teatre, Antic Teatre Cabaret serà una festa, un tribut i un homenatge a tots aquells que van lluitar per donar-li color a una Barcelona gris i asfixiada.

Aquesta nova etapa del Desplume, serà un retorn al cabaret mes íntim, més a prop teu.
Antic Teatre Cabaret serà un lloc de trobada pels amants d'aquest gènere i permetrà descobrir a aquells que desconeixen el que significa una verdadera vetllada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cinema, teatre i documentalista.
Ha treballat com ajudant de direcció de curt-metratges i llarg-metratges en 35mm.
Ha realitzat la festa basada en el cinema underground de terror “Transilvania Club” amb el cineasta Luis Macias i els músics XSDJ.
Participa en diversos esdeveniments com 080 Barcelona, col·laborant amb fotògrafs com Miguel Villalobos per a la producció de la desfilada homenatge a Thierry Mugler. Escriu i produeix reportatges per revistes com Candy Magazine i Paraíso Magazine.

Actualment la seva nova web “Wams” junt amb el fotògraf Raúl Hidalgo on han fotografiat i entrevistat a artistes com Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre d'altres.

Antic Teatre se viste de lentejuelas. Una vez al mes, Antic Teatre Cabaret propondrá un recorrido por el verdadero cabaret de los 70, por sus locales, sus artistas y su ambiente canalla. Más que una obra de teatro, será una fiesta, un tributo y un homenaje a todos aquellos que lucharon por darle color a una Barcelona gris y asfixiada.

En esta nueva etapa, El Desplume se convertira en un cabaret más intimo más cerca de ti. Antic Teatre Cabaret será un lugar de encuentro para los amantes de este género y permitirá descubrir a aquellos que lo desconocen lo que significa una verdadera velada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cine, teatro y documentalista.
Ha trabajado como ayudante de dirección de cortometrajes y largometrajes en 35mm.
Ha realizado la fiesta basada en el cine underground de terror “Transilvania Club” junto al cineasta Luis Macías y los músicos XSDJ.
Participa en eventos como 080 Barcelona, colaborando con fotógrafos como Miguel Villalobos para la producción del desfile homenaje a Thierry Mugler. Escribe y produce reportajes para revistas como Candy Magazine y Paraíso Magazine.
Actualmente está en preparación de un proyecto llamado “Wams” junto al fotógrafo Raúl Hidalgo donde han fotografiado y entrevistado a artistas como Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre otros.

Antic Teatre dresses up in sequins! Once a month, Antic Teatre Cabaret will take us on a journey to the genuine cabaret of the 70s, visiting its venues, its artists and its rough-and-ready atmosphere. More than a performance, this will be a party, and a tribute to all those who fought to provide a touch of colour when Barcelona was grey and choking.
In this new phase, El Desplume will become more up-close and personal; Antic Teatre Cabaret will be a meeting point for all lovers of this genre and will show those who have never experienced it what a real cabaret night is all about.

Eduardo Gión
Is a director of cinema, theatre and documentaries. He has worked as director’s assistant on short and long 35mm films. Together with film director Luis Macias and musicians XSDJ, he created club night “Transilvania Club” based on underground horror cinema.
He has taken part in events such as 080 Barcelona, where he collaborated with photographers such as Miguel Villalobos on the production of a tribute catwalk for Thierry Mugler. He writes and produces articles for periodicals Candy Magazine and Paraíso Magazine.
He is currently working on a project called “Wams” together with photographer Raúl Hidalgo, for which they have photographed and interviewed such artists as Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce and Mathieu Cesar among others.


★ 25-28 Febrer 25-28 Febrero 25th - 28th February ★


ANGELA & KOLDO


"Un cuerpo sinvergüenza"


ESTRENA

durada / duración / running time: 50 min

Nous llenguatges del cos
Nuevos lenguajes del cuerpo
New body languages


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
25 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
26 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
27 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
28 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Creació i interpretació: Angela Peris Alcantud y Koldo Arostegui
Assesorament técnic: Andrés Santos Rivas

Amb el support de:
AZALA Espacio de creación, ANTIC TEATRE/ Adriantic, La Piconera de Sol Picó

uncuerposinverguenza.weebly.com

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Arribem a la adolescència com un robot de llauna preparat per qualsevol cosa menys per estar tranquil·lament descansats en els nostres cossos. A partir dels 11 anys unes hormones descarades segresten el nostre temperament i provoquen canvis inesperats en el nostre cos.Com en una pel.licula de ciència ficció patim mutacions, canviem de forma.La adolescència es una etapa de canvi però també de recerca de la identitat. Angela i Koldo tenen un desitj.Tornar a aquesta etapa i utilitzar la pell com a punt de partida. Construir des la pell casa teva, plena de sensacions on descobrirse i retrovarse a cada racó. Un lloc segur i fèrtil on creixen i floreixen els desitjos de l’imaginació , fent.nos capaços de fer qualsevol aventura i capaços d’assolir l’imposible.

Angela Peris Alcantud (Castelló 1983)
Es va formàr com a ballarina i coreògrafa al Dance Space Center & Movement Research a Nova York. SNDO a Holanda i L’institut del Teatre a Barcelona. Está llicenciada en Comunicacció Audiovisual i treballa a la Fundació Yehudi Menuhin com a professora de dança a centres de primaria i secundaria. Al 2012 va presentar ALLE, la seva primera peça al públic infantil, en col.laboració amb la coreògrafa Alma Söderberg. Al 2014 va estrenar SONIDEANDO UN ESPACIO, un treball de sol sobre la veu i el moviment (LCE Aritstas en Residencia). Koldo Arostegui (Bilbao 1983)
Estudio en el Place, Londres i en SNDO, Amsterdam. Ha treballat amb la companyia Mudances-Angels Margarit, amb el coreògraf Rodrigo Sobarzo, amb la Dansgroep Amsterdam-Krisztina de Chattel, amb Nux Company i amb Jesús Gamo. Ha format part del repart de “The Show Must go on” de Jerome Bel, Barcelona 2015.

Llegamos a la adolescencia como un robot de hojalata preparado para cualquier cosa menos para estar tranquilamente descansados en nuestros cuerpos. A partir de los 11 años, unas hormonas descaradas se adueñan de nuestro temperamento y provocan inesperados cambios en nuestro cuerpo. Como en una película de ciencia ficción mutamos, cambiamos de forma. La adolescencia es una etapa de cambio pero también de búsqueda de identidad. Angela y Koldo tienen un deseo. Volver a esa etapa y utilizar la piel como punto de partida. Construir desde la piel un hogar lleno de sensaciones donde descubrirse y reencontrarse en cada hueco Un lugar seguro y fértil donde broten los deseos de la imaginación, volviéndonos capaces de cualquier hazaña, capaces de lo imposible.

Angela Peris Alcantud (Castellón 1983)
Se ha formado como bailarina y coreógrafa en Dance Space Center y Movement Research en Nueva York, SNDO en Holanda y l’Institut del Teatre de Barcelona. Es licenciada en Comunicación Audiovisual y trabaja en la Fundación Yehudi Menuhin como profesora de danza en centros de primaria y secundaria. En 2012 presentó ALLES, su primera pieza para público infantil, en colaboración con la coreógrafa Alma Söderberg. En 2014 estrena SONIDEANDO UN ESPACIO, un trabajo de solo sobre la voz y el movimiento (LCE Artistas en Residencia).

Koldo Arostegui (Bilbao, 1983)
Estudió en The Place, Londres y en SNDO, Amsterdam. Ha trabajado con la Compañía Mudances-Angels Margarit, con el coreógrafo Rodrigo Sobarzo, con Dansgroep Amsterdam-Krisztina de Chattel, con Nux Company y con Jesús Rubio Gamo. Ha formado parte del elenco de “The Show Must go on” de Jerome Bel, Barcelona 2015.

We reach adolescence like tin robots, ready for anything except feeling relaxed in our own bodies. From the age of 11 onwards, hormones brazenly take possession of our temperaments and provoke unexpected changes in our bodies. As though in a Science Fiction film we mutate, we change shape. Adolescence is a period of change but also a search for identity. Angela and Koldo have a wish: to return to that period and use their skin as the starting point. From the skin outwards, they want to build a home full of sensations, so as to discover and rediscover themselves in every nook and cranny. A safe and fertile place in which the desires of imagination can flourish, making them capable of any feat, capable of achieving the impossible.

Angela Peris Alcantud (Castellón, 1983)
Trained as a dancer and choreographer at the Dance Space Center and Movement Research in New York, SNDO in the Netherlands and the Institut del Teatre of Barcelona. She has a degree in Audiovisual Communications and works for the Yehudi Menuhin Foundation as a dance teacher in primary and secondary schools. In 2012 she presented Alles, her first piece for children, in collaboration with choreographer Alma Söderberg. In 2014 she premiered Sonideando un espacio, a solo piece using voice and movement. (LCE Artists in Residence).

Koldo Arostegui (Bilbao, 1983)
Studied at The Place in London and SNDO in Amsterdam. He has worked with Mudances-Angels Margarit company, choreographer Rodrigo Sobarzo, Dansgroep Amsterdam, Krisztina de Chattel, Nux Company and Jesús Rubio Gamo. He was part of the cast for Jerome Bel’s The Show Must Go On in Barcelona in 2015.


PROGRAMA MARÇ /// MARZO /// MARCH →

★ DIMARTS 9, 16, 23 Febrer i 1 Març ★
★ MARTES 9, 16, 23 Febrero y 1 Marzo ★
★ TUESDAYS 9th, 16th, 23rd February & 1st March ★


ERRATEKE
& PLATAFORMA L'ESPECÍFICA



"Erbeste (boja per complaure)"


Estrena a Catalunya

durada / duración / running time:
70’ + sobremesa con público / discussion with audience

Noves dramatúrgies
Nuevas dramaturgias
New Drama


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
DIMARTS / MARTES / TUESDAYS
9, 16, 23 & 1 Març / Marzo / March: 21'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Idea original, textes i dramaturgia: Rakel Ezpeleta
Creat amb la col.laboració de les directores: Simona Quartucci, Iñaki Rikarte i Neus Suñé
Ajudant de dramatugia i direcció: Esther Belvis
Erbeste: Rakel Ezpeleta
Bestea: Hèctor Boada
Composició musical original: Daniel Higiénico i Rakel Ezpeleta
(Altres fragments musicals de: SuTaGar, Mocedades, Telekantak…)
Coreografía L’espera: Elisenda Moya
Coach d’actors: Blanca Martínez
Disseny d’il.luminació: Hèctor Boada
Atrezzo: Teresa del Junco
Disseny gràfic: Marta Extramiana
Fotografías: Sandra Soussa, Beatriz Marahver, Carlos Torrico i Josep Tobella
Videos: Vero Díaz, Nacho Neil i Platanobolígrafo

Mùsics col.laboradors amb enregistraments:
Daniel Higiénico (guitarra, orquestació digital, veu i mescles), David Sam (piano), Manel Romero (batería, arranjaments i mescles), Alex Blanco (baix i arranjaments), Sergio Carmona (guitarres elèctriques i arranjaments), Rakel Ezpeleta (veus)

Correcció i/o adaptació lingüistica: Imanol García (euskera), Haizea Urrutia (euskera), Mikel García (Euskera), Colin Morgan (anglès), Nuria Casas (català), Jaume Rigol (català), Anne Laure Feuillastre (francès)

Coordinació de producció: Rakel Ezpeleta
Co-producció: Cía Errateke – Plataforma l’Específica – BAD
Amb la col.laboració de: Laboratori Tisner i Sala Baratza

www.facebook.com/errateke

ESTHER BELVIS PONS sobre ERBESTE de Rakel Espeleta:
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Para Rakel.

– ¿Cómo te va?
– Bien―respondo.

Entonces empiezo a pensar en cosas pequeñas como el hueco que queda libre al fondo del armario, el retazo de vida que hay detrás de la mirilla de la puerta o las figuras que se forman con el vaho de la ducha. Pienso en esas cosas pequeñas a las que no prestamos atención, esas cosas que solamente se hacen evidentes si uno se para a mirar todo aquello que no tiene aparente interés. Y concentrándome en lo pequeño puedo evitar, al responder “bien”, que mi mirada se pose en lo grande. [+]

Rakel Ezpeleta ha creado esta pieza mostrando sus cosas pequeñas para hablarnos de las grandes. Y lo hace desde esa mirada suya que lo sostiene todo. Porque esta pieza nos enseña a sostener el cuerpo cuando ya parece que hemos perdido todo control sobre el mismo. Un cuerpo descontrolado que a través de sus aspavientos intenta complacer al otro. Un cuerpo dispuesto que se atreve a todo. Un cuerpo que tropieza con el mundo y decide dedicarle una última canción, un último baile, una última cena. Así, un poco entre el amor y el despecho que siente el que irremediablemente se abandona en los brazos de la vida, esperando que el día de mañana sea mejor que el anterior.

Esta pieza hecha de retazos de vida planea sobre todos nosotros; incluso diría que está cocinada con nuestros propios recuerdos. Todos somos un poco Erbeste, este personaje que se apasiona y se pelea tanto con el presente para no hacer balance, para no contarse a sí misma lo que ya no fue, lo que ya seguramente no será. Este personaje que no pertenece a ningún lugar, pero que se cuela en la casa que son nuestros cuerpos; allí donde guardamos las historias, los secretos, las voces. Se cuela para recordarnos, con una sonrisa, que en las casas de todos pasan cosan extrañas. Para decirnos: – Sí, yo también tengo un mundo de cosas pequeñas, que me salva de esa precariedad que me hace sentir todo lo grande.

Porque en un mundo en la que la mayoría respiramos con los pulmones corrompidos, Rakel nos propone esta pieza llena de oxígeno para seguir intentándolo mañana, sea lo que sea lo que cada uno tiene que intentar.

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Docu-ficció satírica en forma de monòleg...sol...recital...una mena de cabaret solitari en el una intèrpret transita ocupacions, ubicacions, idiomes, registres i textures en el seu empeny de trobar un lloc propi. Erbeste mostra la realitat d’una dona migrant que es sent sempre fora de lloc; la rel.lació d’un mateix amb la seva memòria, amb les expectatives alienes i el desitg de pertinença. Erbeste vol arribar a mostrarse com els demes poden demanar que sigui.Tan acostumada es a adaptarse i intentar encaixar ...que per el nord. Algú li va dir que això era part de la vida de comediant, però també li va dir que per triomfar cal ser genuí...¿ A les hores...?

Erbeste es crea a Barcelona i Gasteiz; de la má d’una intèrpret i tres directores (una basc, una catalana i una italiana), un cantautor i una assesora d’asaig i accions per gaudir; en mig de téssis acadèmiques i precarietat laboral.
La dramatúrgia de Erbeste vehicula un treball d’investigació sobre el sentit de pertinença en contextes socioculturals canviants. Durant el procés una intèrpret ha treballat per separat amb tres directores de diferents trajectòries i procedències per desplegar tres mirades al respecte d’una identitat, diferents projeccions del que un mateix es davant de l’altre, tres mètodes de creació al voltant d’un mateix eix temàtic i biogràfic. A sobre d’aquest material escènic s’hi ha compossat la dramatúrgia final.

Docu-ficción satírica en forma de monólogo… solo… recital… una suerte de cabaret solitario en el que una intérprete transita ocupaciones, ubicaciones, idiomas, registros y texturas en su afán por encontrar un lugar propio. Erbeste muestra la realidad de una mujer migrante que se siente desubicada; la relación de uno con su propia memoria, con las expectativas ajenas y con el deseo de pertenencia.
Erbeste quiere llegar a mostrarse como los demás puedan pedirle que sea. Tan acostumbrada está a adaptarse e intentar encajar que se desorienta. Alguien le dijo que esto formaba parte de la vida de comediante, pero también le dijo que para triunfar hay que ser genuino… ¿Entonces…?

Erbeste se crea entre Barcelona y Gasteiz; entre una intérprete y tres directoras (un vasco, una catalana y una italiana), un cantautor y una asesora; entre textos de ensayo y acciones para disfrutar; entre tesis académicas y precariedad laboral.
La dramaturgia de Erbeste vehicula un trabajo de investigación sobre el sentido de pertenencia en contextos socioculturales cambiantes. En el proceso una intérprete ha trabajado separadamente con tres directoras de distintas trayectorias y procedencias para desplegar tres miradas sobre una identidad, distintas proyecciones de lo que es “uno” ante “el otro”, tres métodos de creación en torno a un mismo eje temático y biográfico. Sobre ese material escénico se ha compuesto la dramaturgia final.

Satirical docufiction presented as a monologue… solo... recital…. a kind of solitary cabaret in which a performer goes through occupations, locations, languages, registers and textures in her eagerness to find a place of her own. Erbeste shows the reality of a migrant woman who feels out of place; the relationship we have to our own memories, to other people’s expectations and to the desire to belong. Erbeste wants to show herself as others may want her to appear. She is so used to adapting and trying to fit in that she becomes disoriented. Someone told her this was part of life as a player, but they also told her that to succeed she must be genuine… So then what?

Erbeste was devised between Barcelona and Gasteiz, between a performer and three directors (one Basque, one Catalan and one Italian), a singer-songwriter and a consultant; between rehearsal texts and enjoyable actions; between academic theses and job insecurity.
The dramaturgy of Erbeste is the vehicle for a study on the feeling of belonging in changing socio-cultural contexts. During the process a performer has worked separately alongside three directors with different professional backgrounds and careers to develop three perspectives on an identity; different projections of what it means to be ‘one’ as opposed to ‘the other’; three creation methods revolving around the same biographical and thematic axis. This performative material has been the basis for the final dramaturgy.


★ 3-6 Març 3-6 Marzo 3rd - 6th March ★


ABAST ELÀSTIC


"A.U.R.A"


durada / duración / running time: 45 min

nous llenguatges del cos
nuevos lenguajes del cuerpo
new body languages

HORARIS HORARIOS SCHEDULES
3 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
4 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
5 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
6 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE










Creació: Carles Casallachs i Marina Colomina
Intèrprets: Carles Casallachs i Marina Colomina
Dramatúrgia: Lidia González Zoilo
Espai i vestuari: Abast Elàstic
Disseny video: Carme Gomila, Abast Elàstic
Disseny so: Carles Tardio, Abast Elàstic
Producció: Mònica Pérez (Antic Teatre)

Laboratori de Creació 2015 de Fira Tàrrega

Una producció d'Antic Teatre i Fira Tàrrega

Amb el suport de la Generalitat de Catalunya


carlescasallachs.wordpress.com

marinacolomina.wordpress.com

www.anticteatre.com/ontour

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A.U.R.A és un esdeveniment coreogràfic que necessita del públic per existir. Amb el pretext de llegir l’aura i d’oferir una sessió pseudoterapèutica, els mestres de cerimònia situen els espectadors sota el focus d'atenció. Un espectacle de teatre-dansa, que presenta una instal·lació basada en la interacció, tant dels diferents mitjans que entren a escena (dansa, text, visuals i música) com la del públic, que serà l'eix vertebrador de les escenes. Un ritual lúdic, divertit i participatiu que transita des de la creença cap a la crítica, des del cinisme adult cap a la fascinació més infantil.

Carles Cassallachs i Marina Colomina, ambdós coreògrafs i artistes visuals, després de graduar-se junts al SNDO a Amsterdam, i presentar el seu treball coreogràfic a teatres, festivals i galeries a Holanda, Bèlgica, Alemanya, EUA, Portugal, Polònia, Eslovènia, Itàlia, Dinamarca, UK, Escòcia i Catalunya, decideixen encetar Abast Elàstic.

Abast Elàstic sorgeix de la necessitat compartida d'expansió comunicativa, d'apropar mecanismes sensibles d'articulació a un espectre més ampli d'espectadors, sense comprometre’n per això la nostra passió per la complexitat i l'experimentació.

A.U.R.A es un acontecimiento coreográfico que necesita del público para existir. Bajo el pretexto de leer el aura y de ofrecer una sesión pseudo-terapéutica, los maestros de ceremonia sitúan a los espectadores bajo el foco de atención. Un espectáculo de teatro-danza, que presenta una instalación basada en la interacción, tanto de los diferentes medios que entran en escena (danza, texto, visuales y música) como la del público, que será el eje vertebrador de las escenas. Un ritual lúdico, divertido y participativo que transita desde la creencia hacia la crítica, desde el cinismo adulto hacia la fascinación más infantil.

Carles Cassallachs y Marina Colomina, ambos coreógrafos y artistas visuales, tras graduarse juntos en la escuela SNDO en Amsterdam, y presentar su trabajo coreográfico en teatros, festivales y galerías en Holanda, Bélgica, Alemania, EEUU, Portugal, Polonia, Eslovenia, Italia, Dinamarca, UK, Escocia y Cataluña, deciden crear Abast Elàstic.

Abast Elàstic surge de la necesidad compartida de expansión comunicativa, de acercar mecanismos sensibles de articulación a un espectro más amplio de espectadores, sin comprometer por ello nuestra pasión por la complejidad y la experimentación.

A.U.R.A is a choreographic event that needs the audience to exist. Under the pretext of reading the aura and offering a pseudo-therapeutic session, the masters of ceremony put the audience under their attention. A theatre-dance show, an installation based on interaction, among the different languages used at the scene (dance, text, visuals and music) and with the public, that will be the focus of the performance. A playful, fun and participatory ritual that moves from belief to criticism, from adult cynicism to the most childish fascination.

Carles Marina and Cassallachs Colomina, both choreographers and visual artists, after graduating together at SNDO in Amsterdam, and have presented their works in theaters, festivals and galleries in Holland, Belgium, Germany, USA, Portugal, Poland, Slovenia, Italy, Denmark, UK, Scotland and Catalonia, decide to start Abast Elàstic.

Abast Elàstic arises from the shared need to increase communication,to reach sensitive mechanisms for approaching a higger spectrum of viewers, without compromising our passion for the complexity and experimentation.


★ 7 Març  7 de Marzo 7th March ★


FLUXCLUB



Projecció + col·loqui
Proyección + coloquio
Screening & discussion



HORARIS
DILLUNS: 21:00
gratuit

HORARIOS
LUNES: 21:00
gratuito

SCHEDULES
MONDAY: 21:00
free

HORAIRES
LUNDI: 21:00
gratuit






Organitzat per HABITUAL VIDEO TEAM

www.influxfestival.org

www.habitualvideoteam.org

 

 

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Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival. FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents. FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org, i el festival INFLUX [vídeo a escena] dedicat a les arts escèniques audiovisuals: www.influxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org, y el festival INFLUX [vídeo a escena], dedicado a las artes escénicas audiovisuales: www.influxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org, and INFLUX festival [video on stage], dedicated to audiovisual performing arts: www.influxfestival.org. Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.


★ 9 Març 9 Marzo 9th March ★


EDUARDO GIÓN /
ANTIC TEATRE



"El desplume"

durada / duración / duration: 90 min

Cabaret


HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
9 DIMECRES / MIERCOLES / WEDNESDAY: 21:00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros










Mestro de ceremònies: Victor Guerrero
Mite: Gilda Love

Artistes per confirmar

Organitza: Eduardo Gión

hmarionanaudin.blogspot.com.es

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Antic Teatre es vestirà amb lluentons. Un cop al mes, l'Antic Teatre Cabaret proposarà un recorregut per l’autentic cabaret dels 70, pels seus locals, els seus artistes i el seu ambient canalla. Més que una obra de teatre, Antic Teatre Cabaret serà una festa, un tribut i un homenatge a tots aquells que van lluitar per donar-li color a una Barcelona gris i asfixiada.

Aquesta nova etapa del Desplume, serà un retorn al cabaret mes íntim, més a prop teu.
Antic Teatre Cabaret serà un lloc de trobada pels amants d'aquest gènere i permetrà descobrir a aquells que desconeixen el que significa una verdadera vetllada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cinema, teatre i documentalista.
Ha treballat com ajudant de direcció de curt-metratges i llarg-metratges en 35mm.
Ha realitzat la festa basada en el cinema underground de terror “Transilvania Club” amb el cineasta Luis Macias i els músics XSDJ.
Participa en diversos esdeveniments com 080 Barcelona, col·laborant amb fotògrafs com Miguel Villalobos per a la producció de la desfilada homenatge a Thierry Mugler. Escriu i produeix reportatges per revistes com Candy Magazine i Paraíso Magazine.

Actualment la seva nova web “Wams” junt amb el fotògraf Raúl Hidalgo on han fotografiat i entrevistat a artistes com Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre d'altres.

Antic Teatre se viste de lentejuelas. Una vez al mes, Antic Teatre Cabaret propondrá un recorrido por el verdadero cabaret de los 70, por sus locales, sus artistas y su ambiente canalla. Más que una obra de teatro, será una fiesta, un tributo y un homenaje a todos aquellos que lucharon por darle color a una Barcelona gris y asfixiada.

En esta nueva etapa, El Desplume se convertira en un cabaret más intimo más cerca de ti. Antic Teatre Cabaret será un lugar de encuentro para los amantes de este género y permitirá descubrir a aquellos que lo desconocen lo que significa una verdadera velada cabaretera.

Eduardo Gión
Director de cine, teatro y documentalista.
Ha trabajado como ayudante de dirección de cortometrajes y largometrajes en 35mm.
Ha realizado la fiesta basada en el cine underground de terror “Transilvania Club” junto al cineasta Luis Macías y los músicos XSDJ.
Participa en eventos como 080 Barcelona, colaborando con fotógrafos como Miguel Villalobos para la producción del desfile homenaje a Thierry Mugler. Escribe y produce reportajes para revistas como Candy Magazine y Paraíso Magazine.
Actualmente está en preparación de un proyecto llamado “Wams” junto al fotógrafo Raúl Hidalgo donde han fotografiado y entrevistado a artistas como Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce, Mathiue Cesar, entre otros.

Antic Teatre dresses up in sequins! Once a month, Antic Teatre Cabaret will take us on a journey to the genuine cabaret of the 70s, visiting its venues, its artists and its rough-and-ready atmosphere. More than a performance, this will be a party, and a tribute to all those who fought to provide a touch of colour when Barcelona was grey and choking.
In this new phase, El Desplume will become more up-close and personal; Antic Teatre Cabaret will be a meeting point for all lovers of this genre and will show those who have never experienced it what a real cabaret night is all about.

Eduardo Gión
Is a director of cinema, theatre and documentaries. He has worked as director’s assistant on short and long 35mm films. Together with film director Luis Macias and musicians XSDJ, he created club night “Transilvania Club” based on underground horror cinema.
He has taken part in events such as 080 Barcelona, where he collaborated with photographers such as Miguel Villalobos on the production of a tribute catwalk for Thierry Mugler. He writes and produces articles for periodicals Candy Magazine and Paraíso Magazine.
He is currently working on a project called “Wams” together with photographer Raúl Hidalgo, for which they have photographed and interviewed such artists as Jonas Mekas, Bob Gruen, Daniel Riera, Greg Gorman, Bruce Labruce and Mathieu Cesar among others.


★ 10-13 Març 10-13 Marzo 10th - 13th March ★


PAU DE NUT


"Lo Indestructible"

durada / duración / duration: 70 min

Noves dramatúrgies – Concert
Nuevas dramaturgias – Concierto
New drama - Concert

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
10 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
11 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
12 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
13 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Idea y direcció: Pau de Nut
Texts: Ángela Figuera, Angélica Liddell, Pascal Quignard i Pau de Nut
Cançons de John Dowland, Jacques Brel, Ana D, Micah P. Hinson, Joy Division, Antonio Vega, Lou Reed, Tim Buckley, Friedrich Hollander, Elvis Presley
Producció: Pau de Nut

Amb el suport de TeatrodeCERCA

Gràcies a:
Pedro Lozano, Diego Sánchez, Espacio Inestable, Sergio López, Nuria Ruiz de Viñaspre

www.paudenut.blogspot.pt

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Quan Pascal Quignard es pregunta per què la música es capàç d’anar al fons del dolor, troba una raó esfereïdora: “Perquè és allà on hi habita”.
La supervivència passa per la música. És la música qui ens permet descendir i sortir amb vida d’aquest descens. Després ja mai no tornarem a ser els mateixos que vàrem ser.
Però alguna vegada hem arribat a ser aquells que érem?

«Si no em dediqués a la música, probablement ja seria mort.»
Pau de Nut

Pau de Nut és músic, cantant, compositor, actor i titellaire.
Ha dirigit Mi relación con la comida d’Angèlica Liddell, amb qui ha treballat en dues produccions: Anfaegtelse i La casa de la fuerza. Porta més de deu anys recorrent el món amb el seu espectacle Conciertoencanto i darrerament ha escrit i dirigit Se t'annodi, se ti snodi: la Libertad i Lo Indestructible.

Cuando Pascal Quignard se pregunta por qué la música es capaz de ir al fondo del dolor, encuentra una razón espeluznante: "porque es allí donde ella mora".
La supervivencia pasa por la música. Es la música la que nos permite descender y salir con vida de ese descenso. Después ya nunca volveremos a ser los mismos que fuimos.
¿Pero alguna vez hemos llegado a ser los qué éramos?

«Si no me dedicara a la música, probablemente ya estaría muerto.»
Pau de Nut

Pau de Nut es músico, cantante, compositor, actor y titiritero. Ha dirigido Mi relación con la comida de Angèlica Liddell, con quien ha trabajado en dos producciones: Anfaegtelse y La casa de la fuerza. Lleva más de diez años recorriendo el mundo con su espectáculo Conciertoencanto y últimamente ha escrito y dirigido Se t'annodi, se ti snodi: la Libertad y Lo Indestructible.

When Pascal Quignard asks himself why music is capable of going to the very root of pain, he finds a hair-raising answer: “because that’s where music lives”.
Survival goes through music. It is music that allows us to descend and return from that descent alive. Afterwards we will never be who we once were. But have we ever been who we were?

“If I wasn’t a musician, I’d probably already be dead”
Pau de Nut

Pau de Nut is a musician, singer, composer, actor and puppeteer. He has directed Mi relación con la comida by Angèlica Liddell, with whom he has worked on two other productions: Angaegtelse and La casa de la fuerza. He has spent more tan ten years touring the world with his show Conciertoencanto and lately he has written and directed Se t’annodi, se ti snodi: la Libertad y lo Indestructible.


★ 14-17 Març 14-17 Marzo 14th - 17th March ★


ENMEDIO


Bellas Vallas (o cómo subvertir con nuestros cuerpos el diseño urbano de las ciudades marca)


Presentació + Taller
Presentación + Taller
Presentation + Workshop

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
14 DILLUNS / LUNES / MONDAY
15 DIMARTS / MARTES / THUESDAY
16 DIMECRES / MIERCOLES / WEDNESDAY
17 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY







www.enmedio.info

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La mobilitat a l’espai de la ciutat mai ha estat donat amb llibertat; l’arquitectura i el diseny urbanistic la han dirigit sempre. Peró, a diferencia de les tanques, les reixes i els murs que en el pasat limitaven i definien la mobilitat de les persones, el mobiliari urbá contemporani ho fa sense que ni tan sols es noti. Abans, regular els comportaments dels cossos a l’espai, indicar el que debien fer i com debien fer.ho, necesitave elements molt visibles. Avui sense que tot aquest adoctrinament es tracta de tot el contrari: que no es vegi, que sense destacar el mes minim, sense ni tan sols aterar el paisatge compleixi el seu proposit represiu. O inclòs el millora. En aquest taller estudiarem com funcionen alguns dels elements de diseny urbá i junts realitzarem una intervenció performantica capaç de desviar.ne la utilització represiva en vers la recuperació del carrer i l’organització de la nostra vida en comú. Perque aixó i no una altre cosa es una ciutat: l’organització de les nostres vidas en comú.

Som un grup de profesionals de l’imatge (disenaydors,fotagrafes,cineastes,aritstes) que, insatisfets per la mancança de conexions entre l’acció politica i l’art, hem decidit abandonar el nostre terreny habitual de treball, per situarnos al centre , a cap lloc determinat i atots a la vegada. Des aquest lloc explorem la potencia transformadora de les imatges i els reltas. Ho fem mitjançant espectaculars intervencions, utilitzant tot alló que tenim a la nostra disposició: fotografia, mitjans de comunicació, diseny, teatre…aixi es com creeem interferencies en el relat dominant: interrupcions a l’explicació oficial del mon.

La movilidad en el espacio de una ciudad nunca se ha dado con libertad; la arquitectura y el diseño urbanístico la han dirigido siempre. Pero, a diferencia de las vallas, las rejas y los muros que en el pasado acotaban y definían la movilidad de las personas, el mobiliario urbano contemporáneo lo hace sin que apenas se note. Antes, regular los comportamientos de los cuerpos en el espacio, indicarles qué debían hacer y cómo debían hacerlo, requería de elementos muy visibles. Hoy, sin embargo, parece que ese adoctrinamiento requiere de todo lo contrario: que no se vea, que sin destacar lo más mínimo, sin apenas alterar el paisaje cumpla su propósito represivo. O incluso lo mejore. En este taller estudiaremos cómo funcionan algunos de estos nuevos elementos de diseño urbano y juntos realizaremos una intervención performática capaz de desviar sus usos represivos hacia la recuperación de la calle y la organización de nuestra vida en común. Porque eso y no otra cosa es una ciudad: la organización de nuestra vida en común.

Somos un grupo de profesionales de la imagen (diseñadores, fotógrafas, cineastas, artistas) que, insatisfechos por la falta de conexiones entre el arte y la acción política, hemos decidido abandonar nuestro terreno habitual de trabajo y situarnos en medio; en ningún lugar determinado y en todos a la vez. Desde aquí exploramos la potencia transformadora de las imágenes y los relatos. Lo hacemos mediante espectaculares intervenciones, usando todo aquello que tenemos a nuestra disposición: fotografía, medios de comunicación, diseño, teatro…, así es como creamos interferencias en el relato dominante; interrupciones en la explicación oficial del mundo.

Mobility within the confines of a city has never been totally free; it has always been conditioned by architecture and urban design. However, unlike the fences, gates and walls that in the past defined and restricted people’s mobility, the contents of today’s cities do so practically unnoticeably. In the past, regulating the way people moved within a space, showing them what to do and how to do it required very obvious elements. But nowadays it appears that this type of indoctrination needs the exact opposite: not to be seen, to perform its task of repression without calling any attention to itself or altering the landscape. Or conversely, improving it. In this workshop we will look at how some of these new components of urban design work, and together we will make a performance action that can deflect their repressive function in favour of reclaiming the streets and reorganising our common existence. Because that’s exactly what a city is, and nothing else: the organisation of our common existence.

We’re a group of professionals in the field of graphics (designers, photographers, film makers, artists) who, dissatisfied by the lack of connections between art and political action, have decided to abandon our usual work environments and place ourselves in the middle; nowhere in particular and everywhere at once. From here we explore the transforming potential of images and narrataives. We do this by means of spectacular interventions, using everything we have at our disposal: photography, media, design, theatre… in this way we create interference in the dominant discourse and interruptions to the official view of the world.


★ 18-20 Març 18-20 Marzo 18th - 20th March ★


ANNE LISE LE GAC
& ÉLIE ORTIS



GRAND MAL
[Programat per NyamNyam
– projecte Vaga de fam]


durada / duración / duration: 45 min

Noves dramatúrgies
Nuevas dramaturgias
New drama

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
18 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
19 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
20 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros ONLINE
12 euros GUIXETA / TAQUILLA / BOX OFFICE








Concepte: Anne Lise Le Gac i Élie Ortis
Intèrprets: Anne Lise Le Gac i Élie Ortis
Música: Gigi D’Agostino

Amb el suport de: Chalet Society, Centre National de la Danse (Pantin/Francia), FAR° Festival (Nyon/Suïssa), LIFE LONG BURNING Company Ultima Vez Wim Vandekeybus (Brussels/Bélgica), Company LA ZOUZE Christophe Haleb (Marseille/França), Volmir Cordeiro & La Ménagerie de Verre (Paris/França)

El projecte Vaga de fam és una iniciativa de l’Asociació Cultural nyamnyam Més información sobre el projecte: www.nyamnyam.net →

www.al-lg.com

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Anne Lise Le Gac viu a Marsella i Élie Ortis a Paris, i de vegades coincidim. WEB es el nostre espai de trobada cotidiá, sembla un “muro” i es aquí on conversem. A aquesta conversa la anomeném Grand Mal. Grand mal es un pou sense fon son acumulumen materials sense prejudicis. Col.leccionem videos de gent ballan espontáneament, receptes de barretes energétiques, frases finals de rapers(per exemple). Grand Mal es reconfortant, com una Caixa d’eines(ón també hem de crear eines desconegudes). Fa uns messos, observo aquesta conversa com si parlés de la soletat i la seva fiscalitat. La nostra col.lecció Grand Mal manté viu el diàleg, aquesta es la nostra droga:l’idea de compartir els efectes amb vosaltres.

Anne Lise Le Gac: Fa dos anys em vaig mudar a Marsella. Al 2015, junt amb l’artista Elise Carron, vam activar Okay Confiance, un festival de performance. Al 2014, la coreógrafa Claudia Triozzi em va convidar a participar a la seva peça “Boomerang”,le retour à sol i vaig dir que si. La recerca i la performance han continuat amb “solos” i converses amb performer/beatboxer i Aymeric Hainaux, també amb Pauline Le Boulba, estudiant de doctorat a la Universitat, departamento de Dança.
Durant el decurs del 2011 i el 2013 em vaig inscriure al programa de master ESSAIS al centreCoreográfic d’Angers (CNDC) dirigit per Emanuelle Huynh. Las mevas investigacions van questionar l’hipotesis de la “performance del lloc”.
Del 2003 al 2008 vaig estudiar arts esceniques a l’escola de Belles Arts a Estrasbourg.

Ellie Ortis: Des l’any 2000 soc artesana i diseñadora de moda. Alimento la meva WEB nomenada m-o-v-e-y-o-u-r-a-s-s.tumbir.com i col.lecciono peces de cerámica Fat Lava.

El projete (vaga de fam) es una iniciativa de nyamnyam on manca el menjar. Es tracta de programar, organitzar i facilitar quines propostes de fora del contexte local poden arribar a la nostra ciutat. Per poder portar a terme contem amb la col.laboració d’ altres espais i/o plataformes, com es el cas de l’Antic Teatre.
Perque tenim fam de fora, fam del nou, fam de vaga.

Anne Lise Le Gac vive en Marsella y Élie Ortis en Paris, y a veces coincidimos. WEB es nuestro espacio de encuentro cotidiano, parece un ‘muro’ y es aquí donde conversamos. A esta conversación la llamamos Grand Mal. Grand Mal es un pozo sin fondo donde acumulamos materiales sin tapujos. Coleccionamos videos de gente bailando espontáneamente, recetas de barritas enérgicas, frases finales de raperos (por ejemplo). Grand Mal es reconfortador, como una caja de herramientas (donde también hemos de crear herramientas desconocidas). Y desde hace unos meses, observo esta conversación como si hablara sobre la soledad y su fisicalidad. Nuestra colección Grand Mal mantiene vivo el dialogo, esta es nuestra droga: la idea es compartir los efectos con vosotros.

Anne Lise Le Gac: Hace dos años me mudé a Marsella. En el 2015, junto con la artista Elise Carron, activamos Okay Confiance, un festival de performance. En el 2014, la coreógrafa Claudia Triozzi me invitó a participar en su pieza “Boomerang, le retour à sol” y le dije que si. La investigación y la performance han continuado con solos y conversaciones con performer/beatboxer Aymeric Hainaux, y también con Pauline Le Boulba, estudiante de doctorado en la Universidad, departamento de danza.
Entre 2011 y 2013 me inscribí al programa de Master ESSAIS en el Centro Coreográfico de Angers (CNDC) dirigido por Emmanuelle Huynh. Mis investigaciones cuestionaron la hipótesis de la “performance del lugar”. Entre 2003 y 2008 estudié artes escénicas en la escuela de Bellas Artes de Strasbourg.

Élie Ortis: Desde el 2000 soy artesana y diseñadora de moda. Mantengo alimentada mi web, llamada m-o-v-e-y-o-u-r-a-s-s.tumblr.com y colecciono piezas de cerámica Fat Lava.

El proyecto (Huelga de hambre) es una iniciativa de nyamnyam dónde la comida falta. Se trata de programar, organizar y facilitar que propuestas de fuera del contexto local puedan llegar a nuestra ciudad. Para llevarlo a cabo contamos con la colaboración de otros espacios y/o plataformas, como en este caso Antic Teatre. Porque tenemos hambre de fuera, hambre de nuevo, hambre de huelga.

Anne Lise Le Gac lives in Marseille and Élie Ortis lives in Paris and sometimes we meet. WEB is our space for daily sharing; it looks like a “wall”, and this is where our conversation takes place. We cal this conversation Grand Mal. Grand Mal is a bottomless pit where we accumulate materials without inhibition. We collect videos of people dancing spontaneously, recipes of energy bars, rappers’ punchlines (for example). Grand Mal is comforting like a toolbox (where we also have to create the tools to use). And for a few months now, I see this conversation as being about loneliness and its physicality. Our Grand Mal collection keeps the dialogue alive, this is our dope: the idea is to share the effects with you.

Anne Lise Le Gac: Two years ago I moved to Marseille.
In 2015, in Marseille, together with artist Elise Carron, we activated Okay Confiance, a performance festival. In 2014, choreographer Claudia Triozzi asked me to perform in her piece “Boomerang, le retour à soi”, and I said yes.
Researches and performances continued through solos and conversations with performer/ beatboxer Aymeric Hainaux and also Pauline Le Boulba, PhD student in Paris at University-Dance department.
From 2011 to 2013, I joined the Master’s programme ESSAIS at the Choreographic Center in Angers (CNDC), directed by Emmanuelle Huynh. My research questioned the hypothesis of a “vernacular performance”. Between 2003 and 2008, I studied at the school of fine arts in Strasbourg focusing on performance art.

Élie Ortis: I am a fashion craftsman and designer since 2000. Regularly I feed my website called m-o-v-e-y-o-u-r-a-s-s.tumblr.com and collect Fat Lava ceramics.

The project (Hunger strike)is a nyamnyam initiative about lack of sustenance. The idea is to programme, organise and facilitate projects from outside reaching our city. In order to realise this project we are counting on the support of other spaces and /or platforms, in this case Antic Teatre. Because we are hungry for the outside, hungry for the new, hungry for striking.


★ 21 Març  21 de Marzo 21st March ★


FLUXCLUB



Projecció + col·loqui
Proyección + coloquio
Screening & discussion



HORARIS
DILLUNS: 21:00
gratuit

HORARIOS
LUNES: 21:00
gratuito

SCHEDULES
MONDAY: 21:00
free

HORAIRES
LUNDI: 21:00
gratuit






Organitzat per HABITUAL VIDEO TEAM

www.influxfestival.org

www.habitualvideoteam.org

 

 

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Setena temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo amb una periodicitat quinzenal que pretén reflectir la vitalitat del vídeo de creació de la nostra ciutat. Es tracta d’una extensió del Festival de vídeo d’autor FLUX, amb sessions obertes a tot el que està passant en el camp del vídeo a Barcelona, que complementen el festival des del punt de vista dels seus continguts i que estenen el seu període d’acció més enllà dels dies estrictament dedicats al festival. FLUX CLUB acull tot tipus de sessions amb projeccions, videoperformances i col·loquis que ofereixen al públic la possibilitat del contacte directe amb els videocreadors. Poden ser sessions monogràfiques d'autors reconeguts, temàtiques, dedicades a gèneres com la videodansa i la videopoesia, o col·lectives dedicades a autors emergents. FLUX CLUB és un espai de difusió del vídeo de creació a la ciutat de Barcelona.

Habitual Video Team és una associació sense ànim de lucre que té com a objectius principals la promoció de tot tipus d’activitats relacionades amb les arts audiovisuals i concretament amb la videocreació: www.habitualvideoteam.org.
Una branca de les seves activitats és l'organització de festivals, cicles i mostres de vídeo, com el festival de vídeo d’autor FLUX: www.fluxfestival.org, i el festival INFLUX [vídeo a escena] dedicat a les arts escèniques audiovisuals: www.influxfestival.org.
Una altra branca fonamental de la seva feina és la documentació videogràfica (gravació i edició) d’esdeveniments culturals generalment de petit format com concerts, poesia, performances o espectacles teatrals. A partir del 2012, posa en marxa el projecte SUMMA, amb la finalitat de convertir aquest patrimoni audiovisual de més de 1.000 gravacions en un arxiu videogràfic on line d'accés públic: www.summa-hvt.org.

Séptima temporada de FLUX CLUB, un club de vídeo con una periodicidad quincenal que pretende reflejar la vitalidad del vídeo de creación de nuestra ciudad. Se trata de una extensión del Festival de vídeo de autor FLUX, con sesiones abiertas a todo lo que está pasando en el campo del vídeo en Barcelona, que complementan el festival desde el punto de vista de sus contenidos y que extienden su período de acción más allá de los días estrictamente dedicados al festival. FLUX CLUB acoge todo tipo de sesiones: proyecciones, videoperformances y coloquios que ofrecen al público la posibilidad del contacto directo con los videocreadores. Pueden ser tanto sesiones monográficas de autores reconocidos, como temáticas colectivas dedicadas a autores emergentes, a la presentación de trabajos de estudiantes, o centradas en la videopoesía o la videodanza. FLUX CLUB es un espacio de difusión del vídeo de creación en la ciudad de Barcelona.

Habitual Video Team es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivos principales la promoción de todo tipo de actividades relacionadas con las artes audiovisuales y concretamente con la videocreación: www.habitualvideoteam.org.
Una rama de sus actividades es la organización de festivales, ciclos y muestras de vídeo, como el festival de vídeo de autor FLUX: www.fluxfestival.org, y el festival INFLUX [vídeo a escena], dedicado a las artes escénicas audiovisuales: www.influxfestival.org.
Otra rama fundamental de su trabajo es la documentación videográfica (grabación y edición) de eventos culturales generalmente de pequeño formato como conciertos, poesía, performances o espectáculos teatrales. A partir de 2012, pone en marcha el proyecto SUMMA, con el fin de convertir este patrimonio audiovisual de más de 1.000 grabaciones en un archivo videográfico on line de acceso público: www.summa-hvt.org.

The seventh season of FLUX CLUB is here: a fortnightly video club that reflects the vitality of video creation in our city. It’s an extension of the FLUX Video Auteur Festival, with sessions open to everything currently going on in the field of video in Barcelona, complementing the festival from the point of view of its content and extending its sphere of influence beyond the few days programmed for the festival itself. FLUX CLUB includes all kinds of sessions: screenings, video performances and debates offering direct contact between the audience and the filmmakers. These sessions focus on a range of subjects, from monographic by well-known directors to specific themes, from groups of up-and-coming authors to students; they may cover video poetry or video dance. FLUX CLUB is a space for the dissemination of video creation in the city of Barcelona.

Habitual Video Team is a non-profit association whose main objectives are to promote activities related to visual arts and specifically video art: www.habitualvideoteam.org.
A fundamental area of their work is the organization of festivals, cycles and video shows, such as the FLUX Video Auteur Festival: www.fluxfestival.org, and INFLUX festival [video on stage], dedicated to audiovisual performing arts: www.influxfestival.org. Another branch of Habitual Video Team’s activities is video documentation (recording and editing) of mainly small format cultural events such as concerts, poetry, performances or theatre shows. It has a video archive of over 1.000 recordings. In 2012 they launched the SUMMA project with the aim of converting this audiovisual heritage into a non-profit online video archive: www.summa-hvt.org.


★ 31 Març-3 Abril i 6-10 Abril 31 Marzo-3 de Abril y 6-10 Abril 31st March-3rd April & 6-10 April ★


REDONDO/ ALBUERNE


"Ye orbayu"

durada / duración / duration: 50 min

Teatre d'humor - Noves dramatúrgies
Teatro de humor - Nuevas dramaturgias
Comedy theatre – New dramaturgies

HORARIS / HORARIOS / SCHEDULES
31 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
1 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
2 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
3 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00

* 6 DIMECRES / MIERCOLES / WEDNESDAY: 21'00
7 DIJOUS / JUEVES / THURSDAY: 21'00
8 DIVENDRES / VIERNES / FRIDAY: 21'00
9 DISSABTE / SABADO / SATURDAY: 21'00
10 DIUMENGE / DOMINGO / SUNDAY: 20'00


* dia de l'espectador // día del espectador // spectator day - 5€ //


ENTRADES/ ENTRADAS /TICKETS
COMPRAR/ BUY HERE →
10 euros






Idea, creació i interpretació: José Luís Redondo y Jorge Albuerne Escenografía: Redondo/Albuerne
Il·luminació: Redondo/Albuerne
Espai Sonor: Redondo Albuerne
Direcció: No la tenim, anem a la deriva...

Agraïments a l’Antic Teatre, Tub d’Assaig, Fira de Circ de La Bisbal, a molta bona gent que ens dóna suport, que ho sap i que no necessita aparèixer als programes dels teatres i a la nostra "tierrina": Astúries.

jorgealbuerne.wordpress.com/colaboraciones

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YE: En llengua asturiana, tercera persona singular del present de l’indicatiu del verb “ser” (cat.:és)

ORBAYU: Així es com es diu en territori asturià a aquella pluja lleugera, gairebé imperceptible, però que cala... També en tenim d'altres tipus, per pluja no serà, però aquesta és, sens dubte, la que millor ens defineix. (cat .: xim-xim/plovisqueig).

Creació escènica humorística a partir d’alguns dels millors moments que han anat sorgint a les trajectòries artístiques de Redondo i Albuerne en la recerca del riure (propi i aliè). Utilitzant aquests moments, al mateix temps, com a disparadors per crear-ne altres de nous; deixant-se travessar pel singular imaginari de la seva terra asturiana.
Una peça de peces cosida amb fils de circ i que vol ser com l’orbayu: lleugera, gairebé imperceptible, però amb la ferma pretensió de calar fins als ossos.

Jorge Albuerne, asturià
Realitza estudis de Gravat i Estampació a la EAAyOA d’Oviedo. Es llicencia en Belles Arts a la Universitat del País Basc especialitzant-se en Ceràmica i Escultura. Vinculat des de fa anys al món del circ de carrer, inicia la seva formació en dansa a Bilbao i al mateix temps continua la seva formació circense en equilibris acrobàtics, quadrant aeri, màstil xinès i trapezi volant.

José Luís Redondo, asturià Té la titulació en Ciències de l’activitat física i de l'esport. Va estudiar diferents tècniques de circ com aeris, equilibris, malabars, acrobàcia i clown a l’Escola de Circ Carampa (Madrid, 2004-05) i ha continuat els seus estudis de circ a l’Escola de Circ Criollo (Buenos Aires, 2005-06).

YE: En la Lengua Asturiana, tercera persona singular del presente de indicativo del verbo “ser”. ( cast.: es ).

ORBAYU: Así se denomina en el territorio Asturiano a aquella lluvia liviana, casi imperceptible, pero que empapa…también tenemos de otros tipos, por lluvia no será, pero ésta es, sin duda, la que mejor nos define. (cast.: calabobos).

Creación escénica humorística a partir de algunos de los mejores momentos que han ido surgiendo en las trayectorias artísticas de Redondo y Albuerne en la búsqueda de la risa (propia y ajena). Y utilizándolos a su vez, como disparador para crear otros nuevos; dejándose atravesar por el singular imaginario de su tierrina asturiana.
Una pieza de piezas cosida con hilos de circo y que quiere ser como el orbayu, liviana, casi imperceptible, pero con la firme pretensión de calar hasta los huesos.

Jorge Albuerne, Asturiano
Realiza estudios de Grabado y Estampación en la EAAyOA de Oviedo. Se licencia en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco especializándose en Cerámica y Escultura. Vinculado desde años al mundo del circo de calle, inicia su formación en danza en Bilbao y simultáneamente continúa su formación circense en equilibrios acrobáticos, cuadrante aéreo, mástil chino y trapecio volante.

José Luis Redondo, Asturiano
Es titulado en Ciencias de la Actividad física y del Deporte. Ha estudiado diferentes técnicas de circo como aéreos, equilibrios, malabares, acrobacia y clown en la Escuela de Circo Carampa (Madrid, 2004-05) y ha continuado sus estudios de circo en la Escuela de Circo Criollo (Buenos aires, 2005-06).

YE: In Asturian, third person singular of the present of the verb ‘to be’ . (Eng: is).

ORBAYU: The Asturian word for that light, almost imperceptible rain that drenches you… we have other types, it’s not as if we’re short of rain, but this is, undoubtedly, the one that best defines us. (Eng: drizzle).

This is a humorous performance creation built on some of the better moments from the varied artistic trajectories of Redondo and Albuerne as they search for laughter (their own and that of others). And they use those moments as triggers for new ones, while allowing themselves to be influenced by the singular vision of their little Asturian homeland.
A piece made up of pieces sewn together with circus thread, that wants to be like the orbayu: light, almost imperceptible, but with the firm objective of drenching you to the bone.

Jorge Albuerne, native of Asturias
Studied Printing and Engraving at the EAAyOA in Oviedo. Obtained a degree in Fine Arts from the Universidad del País Vasco specialising in Ceramics and Sculpture. With a long-time connection to the world of street circus, he began training as a dancer in Bilbao and continued his circus training with acrobalance, cradle, Chinese pole and flying trapeze.

José Luis Redondo, native of Asturias
Has a degree in the Science of Physical Activity and Sports. He has studied different circus techniques such as aerial, balance, juggling, acrobatics and clown at the Circo Carampa school (Madrid, 2004 -05) and continued his circus training at the Creole Circus School (Buenos Aires, 2005-06).


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